Si tuviera que elegir mi peor experiencia jugando un videojuego hasta la fecha, elegiría Half-Life. Antes de que saquen sus armas y me linchen, déjenme explicar.

Llevaba algunos minutos jugando, bastante emocionado, cuando de repente empecé a sentirme tan mal que estuve a punto de vomitar. Dejé de jugar y volví a intentarlo pensando que era algo que había comido. Quince minutos después las mismas náuseas. Ahí me di cuenta que lo que me hacía mal era el juego. He jugado videojuegos toda mi vida y hasta ahora, Half-Life es el único que físicamente me ha lastimado.

Por supuesto que busqué soluciones — no soy el único al que le ha pasado. Entre las opciones estaba cambiar el campo de visión, que no me sirvió mucho. Lo que funcionó fue jugar en sesiones cortas y detenerme apenas sentía malestar. Esta técnica me permitió terminar lo que resultó ser una obra maestra. Si me esforcé por jugar un juego que físicamente me hacía mal solo porque emocionalmente me hacía bien, ese juego está logrando exactamente lo que se propuso.

Me encantó Quake y adoro GoldenEye, pero no compiten con lo que me da Half-Life. Y el siguiente shooter que llegaría a superarlo sería solo otro Half-Life.

Half-Life es ante todo un grandioso shooter. La gran variedad de enemigos y armas — incluyendo opciones completamente inusuales como un brazo alienígena que dispara municiones infinitas o larvas capaces de atacarte a ti mismo — es simplemente brillante. Pero donde realmente brilla no es en sus mecánicas de shooter sino en cómo encaja la narrativa dentro de ellas.

Desde que comienza ya sabemos que estamos jugando algo diferente. La escena del monorriel al inicio es uno de los mejores metamomentos de la historia de los videojuegos. Nos encontramos dentro de un monorriel llevándonos a trabajar. Mientras avanza, vemos la distribución de Black Mesa — incluyendo cosas que ya desde un inicio se ven extrañas — y los créditos del juego aparecen, dando la impresión de que es una cinemática. El juego no nos lo dice, pero aplastamos sin querer un botón y movemos al personaje. El espacio es reducido, el juego pudo habernos dado el control al bajarnos, pero al dárnoslo ahí nos estaba dando también la clave de todo: aquí no va a haber cinemáticas, aquí tú tienes el control todo el tiempo.

La introducción antes del accidente dura unos 15 minutos incluso conociendo el juego. Con Gordon Freeman vamos a trabajar de científicos, no de experto tirador. Nuestra primera misión es movernos por la fábrica y conseguir el traje de trabajo para comenzar los experimentos. Los tres FPS que hemos reseñado hasta ahora inician con armas y enemigos en los primeros minutos. Half-Life te hace mover herramientas de un lado a otro y conversar con compañeros de trabajo. Valve tarda en dejarte claro que Gordon Freeman podría ser como cualquiera de nosotros.

Lo más asombroso es cómo todo fluye. El juego te lleva hacia donde quiere que vayas sin mapas ni señales obvias, de forma completamente orgánica. Las secuencias ocurren de manera tan natural que perderse es casi imposible. El reemplazo de las cinemáticas por eventos programados jugables es uno de los mejores aciertos del género — y sigue siendo sorprendentemente poco usado en la actualidad.

Los eventos de la historia dejan una huella muy difícil de borrar: el accidente inicial, ver al G-Man por primera vez, encontrarse con los militares pensando que son refuerzos y darse cuenta de que están ahí para eliminarte también. Todos son momentos que han trascendido a la historia de los videojuegos.

El protagonista también está muy bien resuelto. Gordon Freeman no dice una sola palabra en todo el juego. Nada indica que sea alguien experimentado en combate. Es simplemente alguien que está en una situación horrible y trata de salir de ella, y termina el juego convertido en un héroe casi sin darse cuenta. Esto se desarrollará incluso más en su secuela.

La música funciona de forma similar a la de Tomb Raider: la mayor parte del juego está en silencio, lo que potencia la atmósfera de tensión que Black Mesa impone. Cuando la música suena — al salir a la superficie por primera vez, por ejemplo — lo hace apoyando la narrativa, igual que los eventos programados.

Los gráficos eran de punta para la época y se siguen viendo bien. Las animaciones de los personajes y los efectos — las transportaciones, los ataques de los enemigos, el accidente inicial — son ejemplos del maravilloso uso técnico del juego.

Es hora de hablar de Xen. En la última parte del juego, Gordon se transporta al planeta de donde provienen los extraterrestres. Visualmente es una maravilla de terror espacial, pero ahí está el problema: Half-Life no es Quake. Black Mesa es parte integral de la identidad del juego — ese escenario de instalación secreta medio destruida, con sus militares, sus científicos y su aire de conspiración. Todo se siente real a pesar de lo que estamos viendo. Xen le quita esa identidad y convierte al juego en algo genérico.

Por si fuera poco, Xen cambia por completo la jugabilidad con su gravedad diferente. Al estar acostumbrados a otras mecánicas durante horas, los saltos en Xen se sienten incómodos. Y una vez llegados a Xen, ahí nos quedamos hasta el final. La única batalla con jefe real del juego está al final, y como en Quake, se siente decepcionante en su ejecución. El otro problema puntual son las escaleras, que resultan en una experiencia desastrosa — muchas veces morí simplemente porque a Gordon se le ocurrió tirarse teniendo ya el piso cerca.

En cuanto a las expansiones, son buenas. Opposing Force es la mejor de las dos — el problema es que se siente como más Half-Life pero sin Freeman, lo cual no tiene nada de malo pero sí de limitante. Blue Shift es muy corta, aunque compensa con una excelente sección en Xen, más breve y con mejores físicas que las del juego original.

⭐ POR QUÉ ES UNIVERSALLY ACCLAIMED

En 1998, el FPS era el género más popular y más saturado de la industria. Half-Life llegó con un 96 en Metacritic y el galardón “Must Play” porque demostró que el problema del género no era técnico sino narrativo — que un shooter podía tener historia sin interrumpir el juego, que el protagonista podía ser un hombre común en lugar de un héroe invencible, y que la mejor cinemática posible era simplemente no salir del control del jugador. Los críticos reconocieron que Valve no había hecho un Quake mejor: había reinventado para qué podía existir un FPS. Más de veinticinco años después, cada vez que un shooter moderno cuenta su historia a través del gameplay en lugar de interrumpirlo con cinemáticas, le debe algo a lo que Gordon Freeman hizo en Black Mesa.