GoldenEye, tan solo un año antes, había demostrado que los videojuegos podían sentirse como una película. Kojima tomó esa idea y la llevó aún más lejos. Con Metal Gear Solid, Kojima se convierte en director — y uno de renombre. El juego funciona principalmente gracias al uso del medio para desarrollar su narrativa: Kojima transforma el lenguaje cinematográfico y lo presenta en un nuevo medio que aún no tenía idea de cómo manejarlo.

Las principales formas en que Kojima presenta esa narrativa son dos: las conversaciones de códec y las cinemáticas. Ambas son extraordinariamente largas para los estándares de la época. Las conversaciones de códec funcionan como una forma más económica de presentar cinemáticas sin animar a los personajes — pero todas están completamente dobladas, y esa conexión de voz entre dos personas dialogando es suficiente para que se sientan íntimas y personales. Pueden incluso ignorarse en algunas partidas, pero quienes se toman el tiempo de escucharlas obtienen una comprensión mucho más profunda de los personajes.

Las cinemáticas en cambio son únicas: no pueden avanzarse con un botón. O se ven completas o se saltan del todo, sin puntos intermedios. Eso obliga al jugador a integrarse de manera más íntima a la narrativa. Y no es gratuito: las cinemáticas usan desde sutiles movimientos de cámara hasta secuencias de acción dignas de una película de James Bond.

El otro elemento narrativo es el gameplay mismo, y eso es lo que transforma el modo de contar la historia. Kojima ama el cine, pero sabe que Metal Gear Solid no es una película. Quiere que la experiencia de jugar se parezca a la del cine, pero entiende que la interactividad añade una dimensión personal entre el jugador y la pantalla que el cine no puede ofrecer.

El extenso uso de la ruptura de la cuarta pared es ya conocido por cualquiera que sepa algo de Metal Gear. Escuchar a Psycho Mantis reconocer los juegos guardados en la memoria del PlayStation, sentir cómo “mueve” el control antes de una de las batallas de jefe más reconocibles de la historia — esos momentos confirman que lo que estamos viviendo es un videojuego, y que eso es precisamente su poder. Luego matamos a Psycho Mantis y antes de morir nos lanza un discurso antiguerra completamente desgarrador. Nos quedamos helados, viendo básicamente una película en la que nosotros fuimos los responsables. Con ese pequeño ejemplo, que se repite de distintas formas durante el juego, Metal Gear Solid y Kojima demostraron que el medio podía elevarse.

Definitivamente tenemos aquí uno de los mejores videojuegos de toda la historia, y en parte es así por todo lo que logró hacer por primera vez. Es posible que otros hubieran llevado a los videojuegos al mismo punto eventualmente, pero Kojima lo hizo antes, y de forma espectacular.

Los gráficos para algunos no habrán envejecido bien, pero para la época son simplemente fantásticos. El diseño gris de Shadow Moses podría volverse monótono, pero el juego obliga a recorrer áreas variadas: hangares llenos de tanques y soldados, zonas de nieve, partes industriales con lava. Los diseños de los personajes son discernibles y funcionan perfectamente en las cinemáticas.

La jugabilidad funciona precisamente porque es simple. Kojima quería hacer un juego antiguerra y, para lograrlo, entorpeció deliberadamente las mecánicas de combate. Para un juego donde se puede matar, dar golpes o usar armas, hacerlo se siente sumamente incómodo. Con esa premisa el juego nos obliga a usar el sigilo como primera opción. El radar Soliton es una maravilla: la forma en que el juego lo emplea para movernos por el mapa hace que el sigilo sea constantemente satisfactorio.

Donde el juego realmente exige usar todos los elementos disponibles es en las batallas contra los jefes — uno de los elementos más representativos de la saga. Cada una en este juego es brutal y memorable. La batalla contra Psycho Mantis y el duelo de francotiradores contra Sniper Wolf han marcado a toda una generación de jugadores. Revolver Ocelot deja claro desde su primera aparición por qué es uno de los personajes más queridos de la franquicia. Vulcan Raven tiene dos de los enfrentamientos más interesantes del juego, especialmente el segundo. Y Liquid Snake se encuentra con nosotros en cuatro ocasiones, cada una distinta de la anterior.

Mención especial merece Cyborg Ninja, el alter ego de Gray Fox. Aparece de forma esporádica durante la historia — incluso nos enfrentamos a él en una ocasión — y tiene uno de los mejores desarrollos de personaje del juego. Podría parecer ridículo que en una historia de espionaje y terrorismo aparezca un ninja cibernético, pero Kojima hace que todo encaje perfectamente. Meryl y Otacon también se convirtieron en favoritos de los jugadores gracias a sus personalidades marcadas. Incluso los personajes con los que solo interactuamos por códec logran abrirse a Snake y son fundamentales para el desarrollo narrativo.

La música captura el claustrofóbico ambiente de Shadow Moses de forma muy efectiva. Distintos compositores de Konami aportaron temas que, a pesar de esa variedad, forman una banda sonora cohesiva. Los efectos de sonido también se han vuelto clásicos, especialmente el de ser descubierto. Como dato, los primeros sonidos del juego provienen del tema principal de Policenauts, otro título dirigido por Kojima.

La dificultad de la franquicia me parece bastante alta en general. En esta segunda partida, el juego se me hizo más llevadero que la primera vez. Aun así hubo momentos donde parecía imposible avanzar, como la pelea contra Cyborg Ninja. Gracias a la posibilidad de pausar en Switch, la escena de la tortura fue mucho más manejable — aunque la primera vez fue lo más cercano a tortura real que he experimentado jugando.

Lo único que sí me pareció tedioso fue que el juego obliga en varias ocasiones a retroceder a zonas bastante anteriores. También, al no morir tanto, el juego se me hizo más corto de lo que lo recordaba. Son detalles menores que no restan a la experiencia total, pero vale la pena mencionarlos.

⭐ POR QUÉ ES UNIVERSALLY ACCLAIMED 

En 1998, los videojuegos ya habían demostrado que podían ser sistemas de entretenimiento masivo. Metal Gear Solid llegó con un 94 en Metacritic y el galardón “Must Play” porque demostró algo mucho más ambicioso: que podían ser arte. Los críticos reconocieron que Kojima no había hecho simplemente un buen juego de acción sino que había creado un lenguaje nuevo — uno donde la narrativa, el gameplay y el mensaje político se fusionaban de forma inseparable. La ruptura de la cuarta pared, las cinemáticas que no podían pausarse, el sigilo como postura ética ante la guerra: ningún juego anterior había usado el medio con esa conciencia. Casi treinta años después, cuando se habla de videojuegos como forma de expresión artística, Metal Gear Solid siempre aparece en la conversación. Que Kojima lo haya logrado en 1998, con la tecnología de 1998, sigue siendo una de las hazañas más extraordinarias de la historia del medio.